写真/文: 櫻井朋成
Photo/text: Tomonari Sakurai
ミレーヌ・ビヤン(Mylène Billand)は、ステンドグラスの職人であり、同時に物語を紡ぐ表現者でもある。
アルザスを拠点に、教会の修復、個人邸宅の窓、美術館でのインスタレーション、さらには上演形式の作品まで、ガラスという古い素材に新たな時間を与え続けている。その仕事は一見すると伝統的だが、近づくにつれて、明確に現代の思考を内包していることが分かる。
確かな職人教育により支えられている仕事の静けさ
彼女の基盤には、確かな職人教育がある。
ステンドグラスに特化したガラス芸術・技術分野の専門資格を取得し、Patrice Thinèsの工房やCERFAV(ヨーロッパガラス研究・訓練センター)で実地研修を重ねてきた。そこでは装飾的な表現以前に、ガラスという素材の構造、歴史、そして修復という行為の重みが徹底的に叩き込まれる。壊れやすく、しかし数百年の時間を耐えうる素材を前に、軽率な判断は許されない。その緊張感こそが、彼女の仕事の静けさを支えている。
ガラスを言語として「物語」を生み出す
一方で、ミレーヌの制作を単なる工芸の枠に留めないのが、文学とコミュニケーションの学びだ。
彼女の語りには常に「物語」がある。作品が置かれる場所、見る者の視点、光の移ろい。それらは場面の連なりとして構想され、ガラスはそのための言語となる。ステンドグラスは、絵画のように一瞬で読み取られるものではない。時間とともに変化し、見る位置によって意味を変える。その性質を、彼女は極めて意識的に扱っている。
多用な素材から予測不能な表情を引き出す
アトリエで向き合っている素材は多様だ。
均質な工業製ガラス、作家が吹いた一点もののガラス、さらには過去の日用品だったガラスの断片。そこに価値の序列はない。重要なのは、それぞれがどのように光を受け、どんな物語を引き受けられるかという点だけだ。均一なガラスは、構造を支える静かな存在として力を発揮する。一方、揺らぎや気泡を含むガラスは、像に予測不能な表情を与える。ミレーヌは、その差異を恐れず、むしろ構成の中に組み込んでいく。
窓から解放されて空間に舞台を作り出す
彼女のステンドグラスは、しばしば平面を超える。
層を重ね、距離をつくり、奥行きを与えることで、光は単なる透過ではなく、空間を形づくる要素になる。結果として、ガラスは「窓」から解放され、ひとつの舞台装置のように振る舞い始める。そこには、日本美術への関心――北斎に象徴されるジャポニズム――も静かに織り込まれている。それは異国趣味としての引用ではなく、物語構造への共鳴として現れている。実はミレーヌは日本が大好きで、かつて1ヶ月ほど滞在したことがあり、片言ながら日本語も話す。その親密さがあるからこそ、参照は表層的な「日本らしさ」に留まらず、構図の呼吸や線のリズムといった、より深い感覚として作品に滲んでいる。
緊張の中で静物から存在へと変わる
その思考が最も鮮明になるのが、ステンドグラスのマリオネット作品だ。
関節を持つガラスの人形は、金属職人アレクシとの協働によって成立している。ワイヤーで操られ、光を受け、影として壁に像を結ぶ。これは展示ではなく「上演」であり、ガラスが主役となる人形劇だ。壊れやすい素材に動きを与えるという行為は、技術的にも精神的にも極めて繊細な均衡を要求する。だが、その緊張の中でこそ、ガラスは静物から存在へと変わる。
今回、アルザス各地のガラス文化を巡り、サン=ルイの旧炉跡で彼女のインスタレーションを見ることで、その必然性はさらに明確になった。
何世紀にもわたってガラスが熔かされ続けてきた場所に、現代のガラスが重ねられる。そこでは、産業の記憶と個人の物語が同時に立ち上がる。ミレーヌの仕事は、この土地の歴史を飾るのではなく、静かに呼び覚ます行為なのだ。
ミレーヌ・ビヤンは、過去をなぞる職人ではない。
かといって、伝統を素材として消費するアーティストでもない。
確かな技術と、物語への強い意志。その二つが拮抗する場所で、彼女はガラスに新しい役割を与えている。
光が差し込むとき、ガラスは語り始める。
アルザスというガラスの土地で、ミレーヌが行っているのは、素材に生命を与える行為そのものなのだ。
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